[ На главную ] -- [ Список участников ] -- [ Зарегистрироваться ]

О художниках,не против?

  Вход на форум   логин       пароль   Забыли пароль? Регистрация
On-line:  

Раздел: 
Театр и прочие виды искусства -продолжение / Курим трубку, пьём чай / О художниках,не против?

Страницы: << Prev 1 2 3 4 5 6 7 Next>> ответить новая тема

Автор Сообщение

Кандидат
Группа: Участники
Сообщений: 1488
 Добавлено: 30-08-2007 19:52
ПЕРВОБЫТНОЕ ИСКУССТВО

Древнейшие сохранившиеся художественные произведения были созданы же в первобытную эпоху, примерно шестьдесят тысяч лет тому назад. В то время люди ещё не знали металла и орудия труда изготовляли из камня; отсюда и название эпохи - каменный век. Люди каменного века придавали художественный облик предметам повседневного обихода - каменным орудиям и сосудам из глины, хотя в этом не было практической необходимости. Зачем они так поступали? На этот счёт мы можем строить лишь предположения.

Одной из причин возникновения искуства считают человеческую потребность в красоте и радости творчества, другой - верования того времени. С поверьями связывают прекрасные памятники каменного века - написанные красками, а также выгравированные на камне изображения, которыми покрывали стены и потолки подземных пещер - пещерные росписи. Люди того времени верили в магию: они считали что с помощью картин и других изображений можно воздействовать на природу. Считалось, например, что нужно поразить стрелой или копьём нарисованного зверя, чтобы обеспечить успех настоящей охоты.

Точное время создания пещерных росписей до сих пор установить не удалось. Самые прекрасные из них были созданы, по мнению учёных, примерно двадцать - десять тысяч лет назад. В то время больщую часть Европы покрывал толстый слой льда; пригодной для обитания оставалась лишь южная часть материка. Ледник медленно отступал, а вслед за ним двигались на север первобытные охотники. Можно предположить, что в тяжелейших условиях той поры все силы человека уходили на борьбу с голодом, холодом и хищными зверями. Тем не менее он создавал великолепные росписи. На стенах пещер изображены десятки крупных животных, на которых тогда уже умели охотиться; среди них встречались и такие, которые будут приручены человеком - быки, лошади, северные олени и другие. Пещерные росписи сохранили облик и таких зверей, которые позднее совсем вымерли: мамонты и пещерные медведи.

Первобытные художники очень хорошо знали животных, от которых зависело само существование людей. Лёгкой и гибкой линией передавали они позы и движения зверя. Красочные аккорды - чёрное, красное, белое, жёлтое - производят чарующее впечатление. Минеральные красители смешанные с водой, животным жиром и соком растений, сделали цвет пещерных росписей особенно ярким. Для создания таких больших и совершенных произведений тогда, как и сейчас, надо было учиться. Возможно, что камушки с нацарапанными на них изображениями зверей, найденные в пещерах, были ученическими работами "художественных школ" каменного века.

Случилось так, что именно дети, причём совсем нечаянно, нашли самые интересные пещерные росписи в Европе. Они находятся в пещерах Альтамира в Испании и Ляско во Франции. До сих пор в Европе найдено около полутора сотен пещер с росписями; можно полагать, что их ещё больше, но не все пока обнаружены. Росписи пещеры Ласко были открыты только в 1940 году. Сходные памятники известны и за пределами Европы - в Азии, в Северной Африке.

Поразительно и огромное количество этих росписей, и их высокая художественность. Вначале многие специалисты сомневались в подлинности пещерных картин: казалось, что первобытные люди не могли быть столь искусны в живописи, а удивительная сохранность росписей наводила на мысль о подделке.

Наряду с пещерными росписями и рисунками в ту пору изготовляли разнообразные изваяния из кости и камня. Их делали с помощью примитивных инструментов, и эта работа требовала исключительного терпения. Создание изваяний, без сомнения, тоже было связано с первобытными верованиями.

За каменным веком следовал бронзовый (он получил своё название от широко распространённого тогда сплава металлов - бронзы). Эпоха бронзы началась в Западной Европе сравнительно поздно, около четырёх тысяч лет назад. Бронзу было гораздо легче обрабатывать, нежели камень, её можно было отливать в формы и шлифовать. Поэтому в бронзовом веке изготовляли всякого рода предметы обихода, богато украшенные орнаментом и обладающие высокой художественной ценностью. Орнаментальные украшения состояли большей частью из кругов, спиралей, волнистых линий и тому подобных мотивов. Особое внимание уделяли украшениям - они были крупного размера и сразу бросались в глаза.

К эпохе бронзы относятся и своеобразные, огромного размера сооружения, обязанные своим появлением также первобытным верованиям. На полуострове Бретань во Франции на целые километры растянулись поля т.н. менгиров. На языке кельтов, позднейщих обитателей полуострова, название этих каменных столбов высотою в несколько метров означает "длинный камень". Такие группы носят название кромлехов. Сохранились и иного рода сооружения - дольмены, первоначально служившие для погребений: стены из огромных каменных плит перекрывались крышей из такого же монолитного каменного блока. Многочисленные менгиры и дольмены располагались в местах, которые почитались священными. Особенно знамениты развалины такого святилища в Англии - Стонхендж. Предполагается, что там поклонялись солнцу.

Академик
Группа: Администраторы
Сообщений: 12558 		Добавлено: 30-08-2007 20:18
Ф.С.Рокотов
(1735-1808)
Федор Степанович Рокотов — знаменитый русский художник-портретист, Академик живописи Петербургской академии художеств (1765г.).
Жизнь Федора Степановича Рокотова, самого поэтического портретиста XVIII века, долгое время оставалась загадкой. Художник, пользовавшийся огромной славой при жизни, после смерти был забыт на целое столетие.
Его картины находятся во многих музеях больших и малых городов России и, к сожалению, прекрасные портреты называются "Портрет неизвестной(ого)".
Лишь XX век вернул имя Ф.С.Рокотова русскому искусству. Но и сейчас многие знают о нём, как об авторе одной-двух картин.

Кандидат
Группа: Участники
Сообщений: 1488
 Добавлено: 02-09-2007 09:51


Зараут-Камар

В юго-западных отрогах Гиссарского хребта (Узбекистан), в горах Кугитанг, на высоте около 2000 м над уровнем моря, в ущелье Зараут-Сай находится широко известный не только среди специалистов-археологов памятник - грот Зараут-камар. Расписные изображения из этого грота были открыты в 1939 г. местным охотником И.Ф.Ламаевым, неоднократно издавались и изучены достаточно подробно разными авторами. Первоначальные выводы о том, что роспись относится к эпохе палеолита оказались ошибочными. А.А.Формозов допускает, что роспись относится к мезолитическому времени или, во всяком случае, не раньше.

Роспись в гроте сделана охрой разных оттенков (от красно-коричневой до лиловатой) и представляет собой четыре группы изображений, в которых участвуют антропоморфные фигуры и быки. Здесь представлена третья, наибольшая по размерам (в поперечнике - более 60 см) группа изображений, в которой большинство исследователей видит охоту на быка. Среди антропоморфных фигур, окруживших быка, т.е. "охотников" различаются два типа: фигуры в расширяющихся книзу одеждах, без луков и "хвостатые" фигуры, очень похожие на тех, которых мы видели на аналогичной по содержанию фреске Чатал-Хююка, с поднятыми и натянутыми луками. У всех фигур первого типа из-под одежды выступают какие-то предметы: палки с загнутым вниз концом. Эту сцену можно трактовать по-разному: и как реальную охоту замаскированных охотников, и как некий миф из цикла, о котром уже шла речь при рассмотрении сцены "корриды" из Ляско.

Академик
Группа: Администраторы
Сообщений: 12558 		Добавлено: 02-09-2007 17:07
Андрей Рублёв
Ок. 1360 (1370?) — 29. 1 (7. 2). 1430, Москва
Выдающийся русский иконописец, крупнейший мастер московской школы живописи.


Биография


Знаменитый русский скульптор Эрнст Неизвестный как-то сказал:
«Рублев никогда не читал лекций по философии, не писал ни строчки. Он даже не говорил, так как дал монашеский обет молчания. Почему же он философ? Да потому, что в России было такое понятие: «умозрение в красках». То есть высокое искуcство рассматривалось как одна из форм не только познания мира, но и создания структур, равных философии».

Но, к сожалению, о жизни талантливого русского иконописца, жившего 600 лет назад, известно куда меньше, чем о многих философах Древнего мира. Немногочисленные факты его биографии по крупицам собраны из летописей и работ древнерусских писателей Пахомия Логофета и Иосифа Волоцкого.
Даже десятилетие, приблизительно обозначающее дату его рождения, определяется по косвенным данным.

Кандидат
Группа: Участники
Сообщений: 1488
 Добавлено: 03-09-2007 19:59
Эдуар Мане

Хронология Жизни
1832 Родился 23 января в Париже, в респектабельной семье чиновника министерства финансов.

1844 Поступает в юридический колледж, но не проявляет интереса к учебе.

1848 Проваливается на вступительных экзаменах в морское училище. Нанимается юнгой на торговое судно, отправляющееся в Рио-де-Жанейро.

1850 Идет в ученики к художнику Тома Кутюру. Вспыхивает роман Эдуара с Сюзанной Леенхофф.

1852 У Сюзанны рождается сын, Леон-Эдуар.

1856 Покидает мастерскую Кутюра.

1858 Знакомится с Шарлем Бодлером.

1859 Первая большая картина Мане, "Любитель абсента", отвергнута приемной комиссией Салона.

1862 Смерть отца. Получает солидное наследство.

1863 Женится на Сюзанне. Показывает свою картину "Завтрак на траве" в Салоне отверженных. Картина подвергается жестокой критике.

1865 Картина "Олимпия", выставленная в Салоне, вызывает скандал. Уезжает в Испанию.

1870 Начало франко-прусской войны. Мобилизован в армию.

1874 Первая выставка импрессионистов. Мане отказывается принять в ней участие, но при этом воспринимает характерные импрессионистические приемы письма. Едет в Аржантей, где работает на пленэре вместе с Моне и Ренуаром.

1879 Появляются первые признаки атаксии.

1881 Награжден медалью Салона и орденом Почетного легиона.

1883 Переносит ампутацию левой ноги. Умирает 30 апреля.

Академик
Группа: Администраторы
Сообщений: 12558 		Добавлено: 03-09-2007 20:11
П.Ф.Соколов
(1791-1848)
БИОГРАФИЯ
часть 1
СОКОЛОВ Петр Федорович — (1791, Москва — 3(15).8. 1848, с. Старый Мерчик, Харьковская губ) живописец, акварелист, литограф, портретист, родоначальник жанра русского акварельного портрета с натуры, вытеснившего в 1820-40-х гг. портретную миниатюру
Его акварельные портреты для нас — своеобразные окна в минувшее, через которые в XXI век смотрят давно покинувшие мир люди — светские красавицы и блестящие офицеры, писатели и художники, музыканты и государственные деятели, представители Высочайшего двора, генералы, участники Отечественной войны 1812 года, декабристы, чиновники, кавалерственные дамы, фрейлины, щеголи. Он портретировал столь многих, что в лицах, им представленных, оживают целые страницы этого периода истории России. Он создал более пятисот произведений, хранящихся в больших и малых музеях России и частных коллекциях.
Лучшие произведения П.Ф.Соколова не имеют себе равных. Его имя неразрывно связано с пушкинской эпохой. Без его рисунков и акварелей, невозможно представить себе портретную галерею современников поэта.
Профессиональная судьба П.Ф.Соколова начиналась довольно типично для мастеров его круга и времени — он закончил Академию художеств в 1809 году по классу исторической живописи у замечательных педагогов и непревзойденных рисовальщиков А.Е.Егорова и В.К.Шебуева. За программное произведение «Плач Андромахи над телом Гектора» Петр Федорович получил вторую (малую) золотую медаль. Мечтая, как и все художники-академисты, продолжить образование в Италии, а на это давала право лишь первая золотая медаль, Соколов остался в Академии еще на год. Он вновь участвовал в конкурсе, но и вторая попытка не увенчалась успехом. И кто знает, как сложилась бы его творческая жизнь, если бы фортуна ему сопутствовала.
Сколько усилий, времени, таланта было бы отдано «высокому» жанру — историческому, и какое место в его творчестве занял бы жанр портретный? Не повторил ли бы он трагическую ошибку О.Кипренского? Cоздавая прекрасные портреты, художник фактически убивал себя мыслями о том, что не создаёт больших исторических, сюжетных полотен, которые должны были обессмертить его
Поначалу он бедствовал, но довольно скоро, начал давать уроки живописи и стал заниматься графическим портретом, исполненным в технике итальянского карандаша, а затем и акварелью, имевшие большой успех. Благодаря этим портретам, круг знакомств его очень скоро расширился
Акварельная живопись Петербурга и России достигала исключительного расцвета в последние десятилетия XIX и первые два десятилетия ХХ века. Во времена, когда ещё не было фотографий, быстрота исполнения, возможность фиксировать образ без многочислнных и утомительных сеансов позирования, воздушность колорита, акварель пользовалась успехом в высших и средних слоях русского общества.
Акварельные портреты заказывались всеми членами царствующего дома, аристократами, великосветскими красавицами, высшими военными чинами, министрами, дипломатами, всеми сколько - нибудь состоятельными людьми. Иметь свою домашнюю коллекцию акварелей до 1917 года считалось признаком хорошего тона и благосостояния. В ту пору, было принято заказывать графические портреты близких, друзей, родных. Такие портреты сопровождали владельцев и в путешествиях, и дома; их вешали на стену или ставили на стол.
Необыкновенным успехом пользовались его «свадебные» портреты. Забавным свидетельством тому служат слова одного из заказчиков: «…Мы теперь без вас, Петр Федорович, не можем обойтись как без попа, если же не благословите вашей талантливой рукой, то и брак считается недействительным».
В 1821 году по рекомендации флигель-адъютанта графа С.Ф.Апраксина, с которым П.Ф.Соколов был дружен, художника пригласили для работы в Аничков дворец. Удачно исполнив портрет трехлетнего великого князя Александра Николаевича, будущего императора, он стал получать заказы от императорского дома.
С портретом самого императора Николая I произошел неожиданный казус. Едва художник «успел набросать карандашом контур», государь прервал сеанс и «кистью провел черту под носом нарисованного контура» со словами: «Возьми это себе на память».
Насколько достоверен этот анекдот, переданный в мемуарах сыном художника Павлом, сказать трудно. Однако, безусловно, странно, что Соколов, выполнявший так много заказов двора, при всем его необыкновенном таланте и популярности так и не удостоился звания придворного художника. Впрочем, и звание академика портретной акварельной живописи ему было присвоено лишь в 1839 году. Не имея достаточных биографических сведений, можно лишь предполагать, что одной из известных причин столь медленной карьеры было неудовольствие, некогда высказанное императором.
И тем не менее, заказы двора способствовали росту славы художника. Из желающих иметь портреты Соколова образовалась «живая очередь», и многим приходилось дожидаться начала сеанса иногда по месяцу. Общество избрало для себя «художника-фаворита».

Академик
Группа: Администраторы
Сообщений: 12558 		Добавлено: 03-09-2007 20:12
часть 2
Особое место в творчестве художника занимают портреты декабристов и их жен, последовавших в Сибирь за приговоренными к каторге мужьями. Написанные на память близким людям, эти небольшие по формату изображения дали возможность ссыльному декабристу Н. А. Бестужеву проникнуть в секреты акварельной техники Соколова и самому в сибирской каторге и ссылке написать «в манере Соколова» целую серию портретов своих товарищей по заключению и их жен, создав таким образом уникальную галерею образов декабристов
Акварельные портреты Соколова отличаются тонкостью характеристик, им свойственна легкая, подвижная манера письма. Художник стремился избегать детализации в рисунке, отказывался от многоцветия в колорите, умело подбирая красочные полутона. Соколов писал акварелью, не прибегая к белилам и не нанося предварительного карандашного контура. Прозрачность и чистота акварельных красок, когда сквозь них просвечивает белая бумага, точность моделировки, свобода и виртуозность красочного мазка делают портреты, созданные Соколовым, живыми и естественными.
Лицо художник прорабатывал детально мелкими, почти точечными мазочками, фигуру и одежду писал свободно и широко. Фигуры на портретах (особенно женских) выглядят воздушными, словно бы очерченными штрихами. Так, в портрете С.Ф.Толстой фигура молодой женщины кажется очерченной всего несколькими штрихами и плавными линиями. Белое платье и нежную кожу смуглого лица контрастно оттеняют черные локоны, украшенные коралловой веткой.
Впервые о художественном методе П.Ф.Соколова написал его младший сын, художник-акварелист академик А.П.Соколов. Он отмечал, что отец никогда не прибегал к смывкам, притираниям, сглаживаниям или каким-либо другим приемам вне собственно живописных. «С замечательной смелостью правдивый тон лица, платья, кружева аксессуара или фона ложился сразу, почти в полную силу и детализировался смешанными, преимущественно сероватыми тонами, с замечательною прелестью и вкусом, так что ход кисти, ея удары, спускание краски на нет, оставались на виду, не мешая полной законченности всех частей. От этого в работах его никогда не было заметно никакой замученности и труда; все выходило свежо, легко и вместе с тем, рельефно и эффектно в красках»
Художник, оказал немалое влияние на русских портретистов-акварелистов середины XIX. П.Ф.Соколов не только познакомил Александра и Карла Брюлловых (братьев его жены) с тайнами своего мастерства, но проявил заботу и об их жизненном благополучии.
Изящество композиции, красота неяркого колорита, особое поэтическое очарование, свойственное образам Соколова, заставляют нас и теперь, по прошествии более полутораста лет, высоко ценить его искусство.

Кандидат
Группа: Участники
Сообщений: 1488
 Добавлено: 08-09-2007 11:47

Иероним Босх

Многие картины Босха не сохранились, и мы можем составить о них представление лишь по описаниям или, в лучшем случае, по более поздним копиям и гравюрам (некоторые из них просто, превосходны по качеству). Несколько гравюр с картин Босха сделал земляк художника и его "брат" по Братству Богородицы Аларт дю Хамеел. В число этих гравюр входят "Страшный суд" и очень необычная в тематическом отношении работа "Осажденный слон", показывающая боевого слона на поле битвы (довольно фантастическом, надо сказать, поле). Несколько неизвестных нам картин Босха также указано в описи, составленной после смерти испанского короля Филиппа II. От них остались одни названия.


Все, что, согласно христианской догматике, сопутствует концу света, неоднократно возникает в работах Босха. Во времена Босха конец света был реален, его ждали, о нем напряженно размышляли. Литературы на эту тему хватало - в частности, книга об Апокалипсисе вышла в свет в 1484 году в родном босховском Хертогенбосе. Художник, с печалью глядя на окружавшую его жизнь, часто иллюстрировал своими работами грядущие адские муки грешников. Он писал скряг, варящихся в котлах с расплавленными монетами, обжор, пожирающих в аду змей, жаб и навоз, и пр. Впрочем, попадаются у него и сюжеты, более светлые по настроению (например, "Вознесение праведников"), но количественно они, несомненно, уступают работам первого ("угрожающего") ряда. Еще один пример -в центре "иллюстрированной" Босхом столешницы (на след. стр.) написаны семь смертных грехов; расположенные же по углам столешницы изображения при этом перекидывают логический мостик к апокалиптической тематике, выстраивая, таким образом, совершенно прозрачный смысл всего произведения.

Жизнь Христа
Обращаясь к жизни Христа, Босх ограничивал себя лишь несколькими сюжетами. Несколько раз он писал на евангельский сюжет Рождества Христова. Триптих "Поклонение волхвов", который хранится сейчас в музее Прадо, считается одним из лучших произведений, созданных на эту тему во всей истории мировой живописи. Рождество Христа Босх всегда писал очень серьезно, привнося в картины определенную величественность (а не радость, как это обычно делали). Но известнее его картины, объединенные в цикл "Страстей Господних". В "Страстях Господних" художник акцентировал не только и не столько мучения Спасителя, сколько дикий (нечеловеческий!) образ людей, осудивших Христа на крестные муки и принявших на себя ответственность за Его распятие. В отличие от многих современных ему художников, сами страдания Христа Босх писал строго и просто, без лишней экзальтации и крови

Морализаторские и сатирические сцены
Босх написал ряд картин, высмеивающих людскую глупость и человеческие пороки. Эти работы представляют зрителю обычных мужчин и женщин, изображенных в обычной обстановке, которая ничем не напоминает поразительные фантастические миры художника. В этих сценах действующими лицами являются и доверчивый простак, которому морочат голову врачи-шарлатаны, и странствующий фокусник, и глупец, надеющийся избавиться от собственной глупости посредством удаления из головы ответственных за нее "камней глупости" ("Удаление камней глупости". Босх едко высмеивает скрягу, цепляющегося за деньги даже на смертном одре ("Смерть скряги"). Картиной "Корабль дураков", ок. 1500 художник обличает безнравственность религиозных служителей, помещал монаха и двух монахинь - в компании с простолюдинами - в лодку, мчащуюся неведомо куда без руля и без ветрил. К человеческим порокам (отметим среди них особенно ненавистные живописцу обжорство и похоть) Босх относился беспощадно. Судя по всему, его сатиры пользовались большим спросом. На это указывает тот факт, что до нас большинство таких картин дошло не только в подлинниках, но и в копиях.

Святые
Изображая святых, Босх не пытался идеализировать их. Напротив, он писал святых, схватившихся в жестокой схватке с дьявольскими искушениями и собственными страстями. Больше других привлекал художника образ святого Антония, удалившегося в египетскую пустыню и проведшего там множество лет в одиночестве. Средневековая литература пестрит рассказами о пережитых Антонием искушениях. Босх отлично знал эту литературу. Свою картину "Искушение святого Антония" он населил демонами и странными существами - наполовину людьми, наполовину животными. Кроме Антония, Босх писал святых Христофора, Иеронима и Иоанна Крестителя. В его изображениях этого ряда есть свои "константы". Так, художник, как правило, помещает святых на фоне дикого пейзажа ("Иоанн Креститель в пустыне").


Рисунки
Босх, помимо всего прочего, был и великолепным рисовальщиком. Именно ему - в среде североевропейских художников - принадлежит честь превращения рисунка в самостоятельный жанр. Оставив после себя около 40 листов рисунков, Босх превзошел в этом всех современников своего круга. Его рисунки можно разделить на три группы. Во-первых, это листы с набросками, заполненные многочисленными человеческими или фантастическими фигурами - как, например, лист "Гротесковые наброски". Во-вторых, это этюды к картинам, чаще всего содержащие композиции из нескольких фигур. Наконец, в-третьих, это тщательно проработанные самостоятельные рисунки. Почти все рисунки Босха выполнены кистью или гусиным пером и тушью и/или бистром - коричневым пигментом, получаемым при выварке сажи. Гусиное перо в те времена было практически неизвестным "инструментом"; введя его в технический арсенал, Босх выступил зачинателем новой традиции. Ее подхватили многие - в том числе Брейгель и Рембрандт.




Академик
Группа: Администраторы
Сообщений: 12558 		Добавлено: 08-09-2007 13:44
Григорий Васильевич Сорока
крепостной художник
(1823-1864)

Григорий Васильевич Сорока - ученик А.Г.Венецианова, один из самых талантливых и любимых.
Крепостной человек тверского помещика Н. П. Милюкова, соседа и доброго знакомого А.Г.Венецианова. Взятый барином к себе в дворню в имение «Островки», Сорока, видимо, и был замечен там художником, и, с разрешения Милюкова, мастер взял его в свое сельцо Сафонково. Как все ученики Венецианова, Сорока работает, в основном, с натуры, много рисует, пишет пейзажи, портреты, интерьеры.
А.Г.Венецианов пытался выкупить его из неволи, но не успел из-за трагической смерти.
После его смерти, Григорий Васильевич Сорока окончил жизнь самоубийством.

Кандидат
Группа: Участники
Сообщений: 1488
 Добавлено: 14-09-2007 15:32

Основы композиции
--------------------------------------------------------------------------------

Композиция - это такое разумное основание живописания, благодаря которому части видимых вещей складываются вместе в картину.

Л. Б. АЛЬБЕРТИ



Великая цель искусства - потрясать воображение, поэтому художник не должен подчеркивать те средства, которыми он это достигает; зритель должен только почувствовать воздействие результата его усилий.

Д. РЕЙНОЛЬДС



Утверждение, что композиция не подлежит научно-методическому обоснованию, тем более странно, что, как правило, композиция произведения любого вида изобразительного искусства, в том числе и живописи, заранее обдумывается. Основы изучения рисунка и живописи тесно смыкаются с законами композиции.

А. ДЕЙНЕКА



В сюжетном рисунке важно уметь сконцентрировать все самое существенное. Умение выделить основные действующие лица и подчинить им все сопровождающие детали также является важным законом для композиции.

К. ЮОН

Кандидат
Группа: Участники
Сообщений: 1488
 Добавлено: 14-09-2007 15:40
Базовые принципы композиции

Композиция в изобразительном искусстве связана с необходимостью передать основной замысел, идею произведения наиболее ясно и убедительно. Главное в композиции - создание художественного образа. Картины, написанные в разные эпохи, в совершенно различных стилях, поражают наше воображение и надолго запоминаются во многом благодаря четкому композиционному построению. И действительно, если попробовать в картинах П. Брейгеля Старшего "Охотники на снегу", П. Гогена "Бонжур, мосье Гоген" и В. Сурикова "Боярыня Морозова" (ил. 1-3) что-либо изменить, например размер холста, соотношение темных и светлых пятен, количество фигур, высоту линии горизонта и т. п., целостность композиции сразу разрушается, равновесие частей утрачивается.

Не случайно в качестве примеров предложено рассмотреть такие разные по живописной манере произведения. Отсутствие возможности внести изменения в законченную картину подтверждает силу действия законов и правил композиции.

Композиция (от лат. compositio) означает составление, соединение сочетание различных частей в единое целое в соответствии с какой-либо идеей. В изобразительном искусстве композиция - это построение художественного произведения, обусловленное его содержанием, характером и назначением.

Слово "композиция" в качестве термина изобразительного искусства регулярно стало употребляться, начиная с эпохи Возрождения.

Восприятие произведения во многом зависит от его композиции. В художественной деятельности процесс создания произведения можно назвать сочинением композиции.

Композиционное начало, подобно стволу дерева, органически связывает корни и ветви изобразительной формы, соподчиняет ее элементы друг другу и целому. Изображать - значит устанавливать отношения между частями, связывать их в единое целое и обобщать.

Порой словом "композиция" называют картину как таковую - как органическое целое с выраженным смысловым единством, подразумевая в данном случае, что рисунок, цвет и сюжет объединяются. В таком случае неважно, к какому жанру относится картина и в какой манере выполнена, ее называют термином "композиция" как законченное произведение искусства.

В другом случае термин "композиция" означает один из основных элементов изобразительной грамоты, по которому строится и оценивается произведение искусства.

Свобода творчества и подлинное мастерство приходят на основе точного знания. Веками художники искали наиболее выразительные композиционные схемы, в результате мы можем говорить о том, что наиболее важные по сюжету элементы изображения размещаются не хаотично, а образуют простые геометрические фигуры (треугольник, пирамиду, круг, овал, квадрат, прямоугольник и т. п.). В этом можно убедиться, рассмотрев картины: И. Вишнякова "Портрет Ксении Тишининой", Н. Пуссена "Пейзаж с Полифемом" и "Аркадские пастухи", П. Рубенса "Снятие с креста", К. Лоррена "Пейзаж с мельницей", Леонардо да Винчи "Мадонна в гроте"



Академик
Группа: Администраторы
Сообщений: 12558 		Добавлено: 14-09-2007 16:17
В.А.Тропинин
(1776 - 1857)

Василий Андреевич Тропинин — выдающийся русский живописец, портретист и пейзажист. Он создал своеобразную разновидность портретной живописи — «домашний» (халатный) портрет.
Как-то крепостного «казачка» Ваську наказали. Дело было в том, что, собрав обувь для чистки, он забыл про полученное задание. Вместо этого рисовал углем и ваксой головы людей прямо на стенах людской. Просто ему хотелось стать настоящим художником. И, выкраивая любой момент, пусть еще совсем неумело, он пытался рисовать. Тогда мальчик служил в семье графа Моркова, и на просьбы отца юного художника отдать Васю в ученики к живописцу тот ответил: «Толку не будет!».
«Казачок» же стал одним из самых замечательных портретистов первой половины XIX в. — Василием Тропининым.
Родился В.А.Тропинин в селе Карпово Новгородской губернии, в семье крепостного графа А.С.Миниха, у которого его отец служил управляющим. Васю отдали в новгородскую школу, где он обучался чтению, письму, арифметике, основам священной истории и живописи. Учителя обучали лишь тому, что знали, а знания их оставляли желать лучшего. И потому маленький художник брал у своих друзей-одноклассников лубочные картинки и самостоятельно пытался скопировать их.

После окончания школы мальчика взяли на службу в господский дом. Желание рисовать все больше укреплялось в его душе, но он не мог найти ничего подходящего для изображения. Тогда Вася стал помогать в работе горничным, которые прислуживали в господских покоях. За это девушки разрешили ему в отсутствие хозяев заходить в комнаты и рисовать все, что, по его мнению, являлось искусством. Рисунки Васи никто всерьез не воспринимал, и окружающие лишь посмеивались над ним. Да и вообще о своей жизни в доме Миниха Тропинин не любил вспоминать. Прислуга невзлюбила мальчика и отыгрывала на нем все обиды, которые когда-либо доставлял им его отец-управляющий.

В начале 90-х гг. семья крепостного Тропинина перешла в качестве приданого к младшей дочери графа Миниха — Наталье, которая вышла замуж за Ираклия Ивановича Моркова. Тогда же Тропинины переехали в Москву. Новый хозяин не разрешил Васе заниматься художеством и отдал его учиться другому искусству — кондитерскому. Учеником кондитера юноша в 1793 г. переехал в Петербург, где жил в доме графа Завадовского. Здесь он впервые взял в руки кисть и краски, украдкой пользуясь уроками жившего у хозяев художника.
Тропинин часто потом вспоминал, что, когда он убегал к живописцу «посмотреть», жена кондитера приказывала привести его оттуда за уши и отодрать, после чего долго-долго втолковывала, что конфеты и варенья прибыльнее и вкуснее, нежели краски и карандаши.

В те годы в Петербурге была основана Академия художеств, которая помогала развиваться молодым талантам и даже бесплатно выделяла бумагу и карандаши тем, кто не мог их приобрести. Юноше все же иногда удавалось украдкой посещать бесплатные рисовальные классы АХ.

Так продолжалось до 1799 г., когда вдруг хозяин посчитал выгодным для себя определить способного крепостного «посторонним учеником» АХ.

Здесь Тропинин обучался портретному искусству у С.С.Щукина, у которого юноша и жил. Однако учителю и ученику не суждено было сойтись. Ходили слухи, что Щукину заказали серию работ, часть из которых он роздал копировать ученикам, а сделав свою, увидел, что у Василия Тропинина копия получилась намного лучше. И якобы это-то и явилось причиной недоброжелательности по отношению к юному ученику. Но вероятнее всего, причиной разногласий было расхождение во взглядах на искусство.
Однако даже это не помешало тому, что рисунки Василия были отмечены медалями. В мастерской Щукина он приобрел склонность к гамме зеленых, серых, коричневых и золотистых тонов, которые стали типичными для всего его творчества.

На академической выставке 1804 г., наряду с работами Кипренского, Акимова, А.Иванова, Боровиковского, Угрюмова и Щедрина, выставлялась и работа Тропинина «Мальчик, тоскующий об умершей птичке», сюжет которой был взят у особо популярного тогда Грёза. Картина была замечена самой императрицей.
Доброжелательно расположенный к юноше президент АХ А.С.Строганов собрался было хлопотать об освобождении талантливого крепостного, но не успел. Граф Морков не позволил своему крепостному продолжать образование в академии. Тропинин был срочно отозван своим хозяином из Петербурга: ему предписывалось ехать на Украину, в село Кукавку Подольской губернии — в новое имение Морковых.

Здесь Тропинину дали понять, что он всего лишь крепостной, и назначили на должность кондитера и лакея. Кроме того, в его обязанности входило выполнять копии с картин западно-европейских и русских художников, украсившие дом Моркова, расписывать строящуюся местную церковь и писать для нее иконы, а также работать над галереей семейных портретов своих хозяев.

Незлобивый и добрый по натуре, Тропинин со смирением переносил превратности судьбы, не ожесточился, не впал в депрессию от сознания несоответствия собственного дарования и того положения, которое он занимал, напротив, воспринял пребывание на Украине как продолжение обучения, своего рода стажировку. «Я мало учился в Академии, но научился в Малороссии: я там без отдыха писал с натуры, и эти мои работы, кажется, лучшие из всех до сих пор мною написанных»,— вспоминал он позднее.

В 1807 г. иконостас был закончен, церковь достроена и освящена, а сам Тропинин обвенчан в ней с кукавской девушкой Анной Ивановной Катиной. К этому времени слава о Тропинине-портретисте разнеслась по всем окрестностям.

В Кукавке Тропинин впервые по-настоящему ощутил жизнь народа, стал изображать простых людей. Самым интересным портретом этого периода считается изображение головы девушки-подолянки. Эта работа во многом повторила один из портретов Левицкого, к творчеству которого Тропинин возвращался на протяжении многих лет.

Тропинин часто бывал в Москве. Много впечатлений он получал на ее базарах, у прилавков, где продавались лубочные картинки. Сопровождая в качестве слуги Моркова в поездках, Василий Андреевич возил с собой хозяйственную книгу «разной провизии и припасов», записи расходов в которой были лишь на первой страничке. Художник превратил ее в альбом для рисования, в который помещались и кукавские пейзажи, и композиции на религиозные и мифологические темы, и эскизы портретов.
Тропинин прожил на Украине до начала Отечественной войны 1812 г.

"6-го августа тишина Шальвиевки (усадьба Моркова в четырех верстах от Кукавки) была нарушена заливавшимся под дугой колокольчиком", — пишет Рамазанов.
Прибывший из Петербурга фельдъегерь объявил приказ Александра I, который по выбору московского дворянства назначал Моркова начальником московского ополчения. Граф тотчас же выехал из Кукавки, а имущество свое поручил Тропинину отвезти в Москву обозом.
Крепостной художник отправился вслед за графом и долго странствовал по охваченной войной России. Во время постоянных переездов он делал беглые наброски всадников графитным карандашом.

Академик
Группа: Администраторы
Сообщений: 12558 		Добавлено: 14-09-2007 16:21
Одним из первых вернулся Тропинин в Москву после пожара, помогал восстанавливать дом Мoрковых. Летом 1813 года вернулось домой ополчение. Стараниями Тропинина московский дом Морковых был готов. Во время пожара в нем сгорела большая часть работ художника, поэтому до нас дошло очень мало произведений художника 1800 — 1812 гг.
После приезда, Тропинин написал семейный портрет старших Морковых, в котором читается гостеприимность хозяев, показывает семью, вновь собравшуюся после тяжелых испытаний и разлуки В картине сочетаются отзвуки войны и традиционный уют дворянского дома.
«Однажды к Морковым на ужин приехал ученый француз, которому предложено было от хозяина взглянуть на труд художника. Войдя в мастерскую Тропинина, бывшую во втором этаже барского дома, француз, пораженный работою живописца, много хвалил его и одобрительно пожимал ему руку. Когда граф с семейством садился за обеденный стол, к которому приглашен был и француз, в числе многочисленной прислуги, появился из передней наряженный парадно Тропинин.
Француз, увидев вошедшего художника, схватил стул и принялся усаживать Тропинина за графский стол. Граф и его семейство этим поступком иностранца были совершенно сконфужены, как и сам художник-слуга. Вечером того же дня граф Марков обратился к своему живописцу:
— Послушай, Василий Андреевич, твое место, когда мы кушаем, может занять кто-нибудь другой».
Смущенный Mopков после этого случая навсегда освободил Тропинина от обязанностей прислуживать за столом.
Слухи о необыкновенном таланте крепостного художника разошлись по всей Москве. Многие помещики заказывали ему свои портреты. В то же время Тропинин рисовал и простых французских эмигрантов, и оставшихся в России военнопленных. Но, даже достигнув общественного признания, художник продолжал учиться. Срисовывая с оригиналов, пользуясь мягкой растушевкой, он сочетал с ней живую контурную линию. Этот прием стал одним из любимых у Тропинина.
В 1818 г. художник вернулся на Украину. После шестилетнего перерыва он вновь сосредоточил внимание на образах крестьян. Появляется идеализированный портрет украинского Робин Гуда, сильного духом народного героя Устима Кармелюка (1820 г.).
Среди работ этого периода сохранились этюды с украинских парубков и пожилых крестьян. Красоту национального малороссийского типа запечатлел он, несколько идеализированно, в картинах «Мальчик с жалейкой» (1810-е), «Украинец с палкой», «Пряха» (обе 1820-е) и др. Стремясь создать живые, непринужденные образы, художник утверждает чистоту и цельность народных характеров. Колорит этих работ мягкий, приглушенный — преобладают сероватые, охристые, зеленые тона.
В Кукавке Тропинин рисовал и окружавшую его сельскую природу. Он считал, что именно она является лучшим учителем, только нужно «предаться ей всей душой, и тогда работа будет получаться намного лучше. "Я всем обязан природе", — говорил Тропинин.
В 1821 г. Василий Андреевич навсегда покинул Кукавку и вместе с семейством Морковых переселяется в московское имение Моркова. Здесь многие знали о таланте живописца и уговаривали графа дать ему вольную. Снискав в Москве уважение и популярность, художник, тем не менее, оставался крепостным. Особенно хлопотали за Тропинина А.А. Тучков - генерал, герой 1812 года и коллекционер, П.П. Свиньин, Н.А. Майков. Однако граф Морков не спешил давать вольную своему крепостному живописцу, талант и человеческие качества которого он очень ценил.
Лишь в 1823 г., остерегаясь насмешек и недовольствa в кругах просвещенного дворянства, 8 мая, на пасхальный праздник, Морков отпустил художника. Однако вольную выдал лишь ему одному, оставив его сына крепостным. Граф не хотел расставаться с Василием Андреевичем и даже предлагал ему остаться жить в своем доме, но Тропинин не согласился.
Жена и сын оставались в крепостной зависимости еще пять лет.
Сорокасемилетний художник обрел, наконец, долгожданную свободу. Ощутив себя незащищенным ни положением в обществе, ни состоянием, Тропинин спешил официально подтвердить звание художника. Он написал в Петербург своему бывшему учителю С.С.Щукину и другу по академии Варнеку, обратившись с просьбой посодействовать в получении звания художника, но ответов так и не получил. Лишь П.П.Свиньин помог Тропинину представить работы в академию.
Художник уехал в Петербург, и уже 20 сентября 1823 г. за «Кружевницу» , «Портрет художника Скотникова» и «Нищий старик» он получил звание назначенного, а в следующем году, написав «Портрет К. А. Леберехта», становится академиком.
Тропининская «Кружевница» стала новым, очень ярким явлением в русском искусстве того времени. Наиболее точно это выразил друг художника П.Свиньин, говоря, что «и знатоки, и незнатоки приходят в восхищение при взгляде на сию картину, соединяющую поистине все красоты живописного искусства: приятность кисти, правильное, счастливое освещение, колорит ясный, естественный. Сверх того в самом портрете обнаруживается душа красавицы...».
Аналогичных картин Тропинин написал много. Обычно на них изображены молодые женщины за рукоделием — золотошвейки, вышивальщицы, пряхи. Их лица похожи, в них ясно просматриваются черты женского идеала художника — нежный овал, темные миндалевидные глаза, приветливая улыбка, кокетливый взгляд. В них воплотились представления художника о лучших качествах женщины — приветливости, мягкости, домовитости. Определенная идеализация этих образов объясняется не только эстетическими вкусами эпохи, но и особенностью дарования художника, воспринимавшего жизнь не критически, а поэтически, не обличавшего, а утверждавшего.
Тропинину продолжали заказывать портреты и в Петербурге, но художника обижало то, что приходилось ждать до обеда, пока проснется заказчик. Это чем-то напоминало ему о крепостничестве. Ему предложили остаться преподавать в Академии Художеств, но, дорожа творческой свободой, художник отказался.
В 1824 г. Тропинин, оставив все свои, даже очень выгодные, заказы, вернулся в дорогую его сердцу Москву, где, по его словам, «до первого часа можно наработаться», где жила семья его бывшего владельца графа И.Моркова, крепостными которого оставались жена и сын художника.
Здесь его творчество достигло наивысшего расцвета.
Живя и работая в Москве, Тропинин не принимал участия в академических выставках и остался почти не замеченным критикой, связанной в основном с Академией и ее показами. Однако это обстоятельство вовсе не помешало его признанию. Он пользовался славой лучшего портретиста, как у заказчиков, так и у профессионалов. Карл Брюллов, отказываясь писать портреты москвичей, говорил: "У вас есть собственный превосходный художник".
Обаяние, привлекательность и поэтичность женских образов сохранятся и в последующих его жанровых портретах: «Девушка со свечой», «Женщина в окне (Казначейша)», «Девушка с горшком роз» и др.
Однако, создавая мужские портреты-типы, Тропинин более трезво осмысливает действительность. Здесь невольно сказалось глубокое понимание им простого народа, той среды, откуда он вышел сам. Вот почему образам русских крестьян («Ямщик, опирающийся на кнутовище», «Крестьянин, обстругивающий костыль», «Странник») художник уделял подчас больше внимания и тепла, чем своим великосветским «героям».
В работах московского периода прежняя интимность образов сменяется вниманием к характеристике моделей, скульптурной четкостью форм. Колорит становится насыщенным, звучным, художник эффектно использует цветные тени.
В 1830-е гг, портрет окончательно упрочился как основной жанр в творчестве Тропинина; определились образные и технические приемы, композиционные схемы — словом, все то, что делает тропининские произведения уникальными и узнаваемыми. Художник создал целую галерею образов своих современников.
Одним из типов портрета, особенно полюбившимся современникам художника и прошедшим сквозь все творчество Тропинина был образ гитариста. Начало этим жанровым картинам положил "Гитарист в косоворотке. Портрет Моркова" (первая половина 1820-х). В это время гитара стала пользоваться необычайной популярностью. Она звучала и в трактирах, и в великосветских салонах.
К образу гитариста, повторяя и варьируя его, художник возвращался на протяжении всего творчества. Cегодня образ гитариста воспринимается скорее не портретным, а типическим изображением, сродни "Кружевнице", "Золотошвейке", "Ямщику..." И в этом глубокая социальная, историческая правда образов Тропинина, выражающих целую определенную эпоху в жизни русского общества.
B 1833 году, усилиями художников и любителей искусства и благодаря "просвещенному сочувствию частных лиц", было создано Московское художественное общество. Его председателем стал московский генерал-губернатор князь Д.В.Голицын. Близкие Тропинину люди - художники Е.Маковский, Ф.Кюнель, К.Рабус, скульптор И.Витали - были учредителями Общества. Официально преподавателем училища Тропинин никогда не числился, однако он часто посещал рисовальные классы, помогал начинающим художникам своими советами и пользовался среди них огромным авторитетом
Один из первых его учеников писал о нем: «Какой прекрасный человек, он как отец принимал нас...» Живописец всегда отказывался от частных уроков, а вернее, от оплаты за них.

Академик
Группа: Администраторы
Сообщений: 12558 		Добавлено: 14-09-2007 16:24
В 1840-ом г. о Тропинине знала вся Москва. Он продолжал выполнять заказы московской знати, театральных деятелей. Даже старообрядцы, для которых увековечить свое изображение считалось величайшим грехом, заказывали ему свои портреты.
Значительную часть заказчиков художника составляли московские купцы, которым был близок тропининский трезвый и вдумчивый взгляд на модель, умение подчеркнуть достоинство личности. Фамильные купеческие галереи часто создавались в подражание дворянским, но во многом отражали и вкусы своей среды. Тропинин писал портреты членов купеческих династий Киселевых, Карзинкиных, Мазуриных.
Об одежде в тропининских портретах следует сказать особо.
Тропинин выбирал, для тех кого писал, позы естественные, непринужденные, домашние, и одеты они были с домашней небрежностью, которая извинительна была только потому, что увеличивала очарование портрета. Его так и называли – "халатный живописец", и когда приезжали заказывать портрет, почти всегда прибавляли: "Пожалуйста, в халате".
Так появился «домашний» портрет, который сразу стал пользоваться огромной популярностью.
Написав ряд так называемых портретов в халатах (портреты Ф.П.Крашенинникова, П.Н.Зубова и др.), Тропинин через достоверную бытовую деталь показал характер московской жизни, ее размеренность, неспешность; и вместе с тем эта деталь становится олицетворением свободного образа мыслей тех, кого запечатлел художник.
Такая «неофициальность» привлекла даже А.С.Пушкина. В 1827 г. он заказал Тропинину свой портрет. На нем он был изображен не «возвышенным поэтом», а обыкновенным человеком. Недаром художник Свиньин, вспоминая о Тропинине,говорил: «Все. на картинах Василия Андреевича изображено с правдой и простотой...».
Поэт изображен в белой сорочке, вокруг распахнутого ворота которой артистично перекинут черный шейный платок, и в просторном, коричневых тонов халате. Это вполне отвечает романтическому духу эпохи: художник противопоставил независимый образ мыслей Пушкина официальной идеологии, как халат противопоставил мундиру.
Тропининский Пушкин вовсе не приземлен — он так царственно величав, что кажется невозможным потревожить его раздумья. Особую внушительность, почти монументальность сообщают образу поэта гордая осанка и устойчивая поза, благодаря чему его домашний халат уподобляется торжественной античной тоге.
B декабре 1835 года в Москву, вернувшись из Италии, приехал К.Брюллов. Обеды в честь знаменитого живописца устраивали Московский художественный класс, любитель искусства и коллекционер Егор Иванович Маковский, скульптор Витали. Маковский привел Брюллова в мастерскую Тропинина. Рамазанов вспоминает:
"Карл Брюллов, пораженный в старце необыкновенной ясностью ума, свежей памятью всего былого, теплотою чувств, живительным взглядом на искусство и удивительным о нем разговором, полюбил Тропинина всей душой и редкий день не навещал его. Не один раз случалось, что, приглашенный на роскошный обед аристократа, Брюллов изменял данному слову и приходил разделить за столом Василия Андреевича простые щи и кашу".
Брюллов высоко оценил искусство и человеческое обаяние первого московского портретиста. И Тропинин был в восторге от своего знаменитого собрата по ремеслу. Общение с Карлом Павловичем не прошло для него бесследно Влияние Карла Брюллова прокатилось по всему русскому искусству 1830-1840-х годов. У Тропинина также появляются произведения большого размера со всеми приемами и аксессуарами большого парадного портрета.
В портрете Брюллова артистическую незаурядность художника Тропинин подчеркивает пышным фоном античными развалинами, увитыми виноградными лозами, дымящимся Везувием. "Портрет А.А.Перовского" в халате у окна мог быть написан Брюлловым под влиянием московских впечатлений, и в частности от произведений Тропинина.
Под впечатлением от живописи Брюллова (Портрет А.К.Толстого) написан портрет известного славянофила Ю.Ф. Самарина - в костюме охотника, на фоне пейзажа с грозовым небом и клубящимися тучами
Картина «Старуха, стригущая ногти» (1840 г.) стала поворотом в творчестве художника к мотивам голландского искусства. К этому времени романтика начинает уходить из его работ, и этот портрет-рисунок жены живописца — единственное приближение к поэтическому восприятию голландцев. Так в конце своей жизни Василий Андреевич вернулся к гармонии человеческого образа.
Теперь его идеал в старости и покое. Он выразил его в картине «Женщина с курицёй» (1855 г.). Смерть жены в 1856 г. настолько потрясла художника, что до самого конца жизни он так и не смог оправиться от горя. Поэтому эта картина явилась как бы итоговой в творчестве живописца.
В наследии Тропинина самые разнообразные портреты: интимные и репрезентативные, однофигурные и групповые, крестьянские и купеческие, детские, костюмированные...
Особое место в этом ряду занимают портреты друзей-художников, относящиеся к новому жанру русского искусства, сложившемуся позднее в понятие «портреты интеллигенции».
Этот ряд дополняют и тропининские автопортреты (1810-е, 1824, 1830-е), среди которых наиболее символичен «Автопортрет с кистями и палитрой на фоне окна с видом на Кремль» (1844). В нем Тропинин не только объявляет о своем жизненном призвании, но и утверждает творческое кредо истинно русского художника — не случайно он показывает себя на фоне Кремля, древнего национального памятника.
Последний год своей жизни Тропинин провел в собственном домике в Замоскворечье. Здесь он очень скучал по старенькой квартирке на Ленивке. Пришедшему к нему в гости Рамазанову, он как-то сказал: «Да и дверей-то тех нет, помните?» А те двери сверху донизу были исписаны именами тех, кто приходил к Тропинину, но не заставал его дома. Чаще всех остальных на них встречались имена Брюллова и Витали.
Дом на Ленивке был своего рода прибежищем, приютом для многих переступавших его порог. Стоило Василию Андреевичу и его жене Анне Ивановне отлучиться, на парадной двери появлялись надписи мелом: "Был Брюллов", "Был Витали". Опять "Был Брюллов", "Был Булахов"...
Дверь гостям открывал обыкновенно или сам художник, или его сын. Тропинин показывался в дверях – среднего роста, с умным открытым лицом, в очках, в халате; добродушно улыбаясь, говорил: "Вы меня извините, что я в халате, я усвоил это платье, в нем свободнее работать, да так и принимаю свою братию – художников..."
А в гостиной заботами Анны Ивановны уже на столе самовар, румянятся свежеиспеченные крендельки, и все, даже глиняный кувшинчик со сливками, сияет добродушием и расположением к гостю. И начинаются разговоры истинно московские, откровенные, долгие, не кончающиеся. Петербуржцы приезжали в Москву поговорить. Только здесь еще хранились обычаи милой старины, когда простота и добросердечие, царящие в доме, как бы открывали сердца, и беседы больше походили на задушевные излияния, исповеди, чем на обычный житейский обмен новостями. Изъездивший полсвета, избалованный славой – и какой славой! – Брюллов, когда рассказывал о Москве, прежде всего, вспоминал тропининский дом, доброго Василия Андреевича и чуть не со слезами на глазах уверял: "Я бы у него жить стал, к нему бы на хлебы пошел..."
Тропинины покинули Ленивку после смерти Анны Ивановны в 1856 г.. В одном из замоскворецких переулков старый художник купил дом. Сын постарался обставить его так, как будто давно уже здесь шла их налаженная семейная жизнь: на окнах висели клетки с канарейками, повсюду стояли горшки с цветами.
"Как же хорошо у вас, весело!" – говорили Василию Андреевичу. "Нет, не говорите этого, вот старуха моя умерла, и птички меня уже не занимают Да и дверей тех нет, помните, что были в доме Писаревой..."
Художник всегда доброжелательно относился к своим моделям. Он писал людей в добром расположении духа, в лучшие минуты их жизни. "Иные обвиняют меня в том, что мои портреты почти все улыбаются, – говорил однажды художник, как бы оправдываясь. – Да ведь я не придумываю, не сочиняю этих улыбок – я их пишу с натуры. Зачем передавать полотну неприятное выражение, которое останется без изменений, зачем производить тяжелое впечатление, возбуждать тяжелые воспоминания в любящих этого человека".
Тропинин не поправлял природу модели и не приукрашивал ее искусственным эффектами; с всевозможной тщательностью передавал он почти неуловимые особенности лица изображаемого человека. Тропинин всегда видел в изображаемых людях что-то особенное и хорошее. Даже убогий нищий старик, просящий подаяние, вызывал уважение, а в «Кружевнице» он смог показать необыкновенную красоту простой трудящейся девушки.
Тропинина любили люди! Любили за талант, доброту, отзывчивость и гостеприимство. Он не гнался за почестями, не ждал выгодных заказов и льгот от Академии Художеств (положенных ему, как академику). Только частными заказами, что не часто в истории России XIXв., он зарабатывал на жизнь. Он не гнался за славой, но она всегда была рядом.
Есть люди, которые и в несчастье не кажутся несчастливыми, потому что умеют терпеть, и в самых стеснительных обстоятельствах спокойны, потому что глубоко веруют, потому что принцип – все образуется – для них не принцип, а сущность их характера. Самому неудобству окружающего они умеют придать впечатление удобства, уюта, какую-то необъяснимую притягательность.
Таким человеком был живописец Василий Андреевич Тропинин, академик живописи, известный в Москве портретист.
Василия Андреевича Тропинина похоронили на Ваганьковском кладбище. Художник создал более семисот работ, в основном портреты современников: людей известных и неизвестных, богатых и бедных – архитекторов, писателей, актеров, ученых, военных, господ и крестьян, странников, нищих и детей.
Мир Тропинина тих и спокоен, в нем нет страстей и драматизма, но разлита глубокая, всеобъемлющая любовь к человеку. Полотна этого живописца излучают ее своими теплыми красками, добрыми улыбками, неторопливыми жестами и ясными взглядами персонажей. Его творчество сыграло важную роль в развитии демократических тенденций русского искусства XIX в. и особенно в формировании художественных традиций Москвы.

Кандидат
Группа: Участники
Сообщений: 1488
 Добавлено: 26-09-2007 14:24
Импрессионизм

Импрессионизм, как явствует из самого термина, обозначает "впечатление" (фр. - Impression). Запечатлев на своих полотнах эффекты света и движения, импрессионисты произвели революцию в живописи и предложили новый творческий подход.

--------------------------------------------------------------------------------

В XIX веке индустриальное развитие сократило расстояния и уплотнило время. Пейзажи изменились и представали перед человеком в новом, непривычном виде. Импрессионисты показывали красоту мира, в котором каждый миг уникален.

Начиная с 1820 г. во Франции и в Англии художники заинтересовались природой. Благодаря изобретению металлических тюбиков для красок, уже готовых и пригодных к переноске, которые заменили старые краски, готовившиеся вручную из масла и порошковых пигментов, художники смогли покинуть свои мастерские, чтобы работать на пленэре. Работали они быстро, потому что движение солнца меняло освещение и колорит. Иногда они выдавливали краску на холст прямо из тюбика и получали чистые сверкающие цвета с эффектом мазка. В 1870-х гг. многие из этих художников потянулись в Париж. Это и были будущие "импрессионисты". По своим творческим принципам близкие Мане (1832-1883), они смело выступили вместе с ним против недоброжелательно настроенного жюри Салона, которое год за годом упрямо отказывалось выставлять их произведения. Объединившись, они организовали свою независимую выставку. Эта затея просуществовала лишь до 1874 г. и закончилась провалом: пресса либо игнорировала художников, либо издевалась над ними; было продано очень мало работ. Художники не сразу приняли название "импрессионисты", которое к ним прилепил один недоброжелательный журналист. Но они возобновили опыт независимых выставок с 1876 г. Публика начала их принимать только в самом конце XIX века благодаря поддержке искусствоведов и ряда торговцев картинами.



Прелести жизни
Среди импрессионистов практически не было скульпторов, редкое исключение составил Эдгар Дега (1834-1917): одна из его скульптур - "Четырнадцатилетняя танцовщица". Импрессионисты, которые прежде всего были пейзажистами, охотно изображали простые радости жизни. В картине "Мулен де ла Галет" Пьер-Огюст Ренуар (1841-1919) изобразил рабочих и служащих, собравшихся на танцы. С 1892 по 1894 г. Клод Моне (1840-1926) много раз воплощал мотив "Руанский собор" в разное время суток и года. Считается, что этой серией картин и завершился период импрессионизма.

Цвет и свет
Импрессионисты придавали большое значение цвету и свету за счет рисунка и объема. Исчезли контуры предметов, контрасты и светотень были забыты. Этот новый стиль повлиял на многих художников, например на американку Мери Кассатт (1844-1926).



Импрессионизм: От Гогена до Сезанн


Изображая пейзажи и формы с помощью цветных точек, импрессионисты подвергли сомнению прочность и материальность вещей. Но художник не может довольствоваться одним впечатлением, необходим рисунок, организующий картину. Начиная с середины 1880-х гг. новое поколение художников, связанных с импрессионизмом, ставит все новые эксперименты в живописи, в результате растет число направлений, художественных групп и мест проведения выставок.


Гоген разделяет цвета
Поль Гоген (1848-1903) стремился подражать искусству "примитивных" народов, далеких от капиталистической Европы с ее стремительно растущей индустрией и наукой. Его привлекали далекие страны -острова Южных морей, Япония, но он не забывал и народного искусства Франции. До своей поездки в Океанию в 1891 г. Гоген некоторое время жил в захолустной бретонской деревне Понт Авен. Там под впечатлением от крестьянского искусства он изобрел новую манеру письма - "клу-азонизм". Он схематически изображал на холсте контуры предметов, а затем делил их на небольшие цветные участки, окруженные синей или черной каймой, как в витраже, и использовал яркие цвета, далекие от естественных природных. Так в "Таитянских пасторалях" трава красная. Среди художников, на которых оказало влияние творчество Гогена, есть ряд живописцев, скульпторов и сценографов, пытавшихся следом за ним обрести простоту и естественность в своем творчестве. Они хотели, чтобы искусство нашло свое место в повседневной жизни, и назвали себя: "наби" - по древнееврейски "пророки". Крупнейший среди них -Пьер Боннар (1867-1947).



Ван Гог - "проклятый художник"
Не будучи учеником Гогена, Винсент Ван Гог (1853-1890) разделял некоторые его идеи и техники, а также восхищение японской гравюрой. Его картины часто состоят из широких пятен ярких и даже грубых цветов. Контуры предметов упрощены, а рисунок корчится с неистовой силой, словно свидетельствуя о внутренних страданиях художника.

Тяжелейшие жизненные испытания привели Ван Гога к психическому расстройству и самоубийству. Непонятый и несчастный, он был ярким примером "проклятого" художника

Сера и пуантилизм
В 1886 г. Жорж Сера создал картину "Воскресная прогулка на острове Гранд Жатт". Он не использовал заранее смешанных на палитре красок, а наносил на холст мелкие точки основных цветов: синего, желтого, красного, накладывая их друг на друга. Он использовал эту методику, названную "пуантилизмом", в пейзажах, обнаженной натуре, интерьерах

Сера и неоимпрессионизм
Один критик назвал Жоржа Сера (1859-1891) и его друзей неоимпрессионистами, то есть "новыми импрессионистами", потому что эти художники пытались, как и импрессионисты до них, писать свет. Но неоимпрессионисты хотели заменить естественную небрежность своих предшественников очень строгой упорядоченностью. На пленэре они писали только небольшие работы, служившие им этюдами для более крупных произведений.

Строитель Сезанн
Поль Сезанн(1839-1906)заявил, что он хочет сделать из импрессионизма солидное, истинно музейное искусство. На протяжении всего своего творчества он пытался примирить отображение мельчайших колебаний света с тяжелыми конструкциями. Его живопись, удивительно тонкая по колориту, пронизана линиями, которые "держат" его произведения и придают им непоколебимую завершенность. В конце своего творчества Сезанн стал упрощать формы: так из яблока он делал сферу. Как следствие, картины, в которых объемы соединяются друг с другом как в детском конструкторе, приняли архитектурный вид.





Академик
Группа: Администраторы
Сообщений: 12558 		Добавлено: 27-09-2007 15:43
ФЕДОТОВ ПАВЕЛ АНДРЕЕВИЧ — известный русский живописец и рисовальщик, основоположник критического реализма в бытовом жанре, aкадемик живописи (1849г.), aвтор поэмы «Женитьба майора» (1847г.).

П. А. Федотов — одинокая и трагическая фигура в русском искусстве середины XIX в. Как и многие талантливые люди того времени, он жил и умер недостаточно понятым и оцененным современниками. Судьба не дала ему ни душевного равновесия, ни материального благополучия, ни простых человеческих радостей, ни даже смерти достойной.
А между тем Федотов был первым из художников, кто сумел своими произведениями бытового жанра разрушить броню академической эстетики классицизма и проложить путь новому направлению в русском искусстве.

Кандидат
Группа: Участники
Сообщений: 1488
 Добавлено: 12-10-2007 15:52
Кирико Джорджо Де (Сhirico Giorgio De)
(1888-1978)

Джорджо де Кирико радился в греческом городе Волос 10 июля 1888. Учился в Высшей художественной школе в Афинах и в Академии художеств в Мюнхене. Увлечение философией Ф.Ницше и аллегорической живописью Арнольда Беклина способствовало появлению у Де Кирико интереса не к принципам академического реализма, а к толкованию загадочных символов, снов и галлюцинаций. В 1908-1911 он жил в Италии, в основном во Флоренции, с 1911 - в Париже, а с началом Первой мировой войны вернулся в Италию. Между 1908 и 1917 Де Кирико создал свои самые значительные произведения - серию видов пустынных городских площадей и натюрмортов, состоящих из совершенно не связанных друг с другом предметов. Даже названия этих работ, такие, как Радости и загадки странного часа (1913) и Меланхолия и тайна улицы (1914), указывают на стремление автора наполнить самые обыденные ситуации ощущением опасности и ирреальности. Сам художник заявил в 1913: 'То, что я слышу, - ничего не значит; существует только то, что я вижу своими глазами, - и даже более того, то, что я вижу с закрытыми глазами'. В 1915-1919 Джорджо де Кирико и Карло Карра сформулировали теоретическое обоснование своего искусства, положив начало недолговечному течению метафизической живописи в итальянском искусстве. В 1920-е годы художник обратился к созданию романтических вариаций на классические сюжеты.

Ранние работы Джорджо де Кирико оказали существенное влияние на формирование сюрреализма и творчество таких его представителей, как Макс Эрнст, Ив Танги, Сальвадор Дали и др. По словам его основателя и идеолога Андре Бретона, только произведения Де Кирико дали возможность выразить программу сюрреалистов средствами живописи. В 1945 художник опубликовал автобиографию, Воспоминания о моей жизни. Умер Джорджо де Кирико в Риме 20 ноября 1978.

Академик
Группа: Администраторы
Сообщений: 12558 		Добавлено: 12-10-2007 19:26
Константин Дмитриевич Флавицкий (1830-1866)
и его картина "Княжна Тараканова"
Автор картины «Княжна Тараканова», Константин Дмитриевич Флавицкий, родился в Москве 13 сентября 1830 года в семье чиновника. Мальчик вскоре осиротел и целых семь лет провел в воспитательном доме для бедных детей. Способности к рисованию у него проявились рано, и это не осталось незамеченным. Флавицкий стал пенсионером Общества поощрения художников, а затем поступил в Академию художеств в Петербурге, где учился у профессора Ф. А. Бруни.

Петербургскую АХ Флавицкий окончил в 1855 г. с большой золотой медалью, присужденной ему за картину "Дети Иакова продают своего брата Иосифа". Медаль давала право на заграничную поездку с целью совершенствования мастерства. Шесть лет (1856-62) художник провел в Италии. Своеобразным живописным отчетом Флавицкого стала большая, полная драматической экспрессии картина "Христианские мученики в Колизее" (1862 г., Русский музей), за которую он получил звание почетного вольного обшника АХ.

В картине очевидно влияние К П. Брюллова - кумира академической молодежи середины XIX в. И хотя Флавицкий значился в АХ учеником Ф. А. Бруни, факти чески он принадлежал к числу тех, кто боготворил Брюллова. Первая крупная работа Флавицкого не имела успеха. Крамской справедливо назвал ее «трескучей и театральной, лишенной всякого самостоятельного отношения к действительности». Появившаяся на свет, два года спустя, картина «Княжна Тараканова» принесла художнику большую известность.

Картина была написана на сюжет из русской истории. В основу ее положено событие, носящее полулегендарный характер. Таракановыми называли незаконных детей Елизаветы Петровны, дочери Петра I. Точных исторических данных о них не существует. Правда, было известно, что в одном из монастырей в уединении жила какая-то монахиня, «в миру» носившая фамилию Таракановой. Эта женщина для всех оставалась загадкой, находилась под постоянной охраной, но ей оказывались большие почести. Умерла она в монастыре.

Еще за рубежом он задумал написать картину, посвященную злосчастной судьбе знаменитой авантюристки. Об этом свидетельствует рисунок, сделанный в Италии и ныне хранящийся в Государственном Русском музее. Возвратившись из-за границы, Флавицкий в течение двух, лет писал "Княжну Таракановe", показав последний час княжны Таракановой не таким, каким он был в действительности.

На полотне была запечатлена легенда, а не историческая действительность. Наводнение, которое покрыло волнами территорию Петропавловской крепости, третье по своей силе за всю историю Петербурга , произошло 21 сентября 1777 года, когда вода поднялась на 310 сантиметров выше ординара. Умерла же Тараканова почти за два года до этого наводнения.

Как свидетельствует кандидат исторических наук П.Канн, Тараканова была заключена в деревянную тюрьму Алексеевского равелина. На картине же — каменный каземат с большим для тюрьмы окном.
При Таракановой по личному приказу императрицы на ходились неотлучно трое стражников. На полотне она в одиночестве. Стража под страхом смерти не могла покинуть столь важную преступницу.

Выставку посетил Александр II. Его величество поморщился, увидев полотно, Флавицкого. Как-никак, ведь картина касалась деяний его прабабки. И царь повелелел в каталоге картин против произведения Флавицкого «Княжна Тараканова» сделать отметку, что сюжет этой картины заимствован из романа, не имеющего никакой исторической истины».

Но широкий круг зрителей встретил картину восторженно. В.В.Стасов, выдающийся русский критик и деятель искусства, увидев иа выставе полотно Флавицкого, назвал его, «чудесной картиной, славой нашей школы, блистательнейшим творением русской живописи». Картина имела огромнейший успех и в Петербурге, и в Москве, и за рубежом, в том числе на Всемирной выставке в Париже.
Действительно, несмотря на некоторую идеализацию образа героини, художник вносит в картину ощущение реальной жизни, изображает «низменные» детали, которые раньше не осмелился бы ввести в историческое полотно художник-академист.

На картине — легенда, долго бытовавшая и, как мы видим, и продолжающая бытовать, даже в наше время. Но разве от этого умаляется та большая художественная сила полотна, с которой действует она на обозревающих ее посетителей Третьяковки?

Знаменитый собиратель произведений русской живописи Павел Третьяков обладал огромным художественным вкусом и пониманием подлинного, искусства. Вот почему, увидев «Княжну Тараканову», он зажегся желанием приобрести ее. Переговоры начались с автором, а закончились с братьями Флавицкого.

Флавицкий умер 3 сентября 1866 года, тридцати шести лет,умер от чахотки в зените своей славы. Он работал в традициях академической школы и оставался в плену у историко-религиозных сюжетов, и остался в памяти потомков, как мастер одной картины. Место в истории русского искусства художник завоевал картиной «Княжна Тараканова», которая и в наши дни пользуется любовью зрителя

Кандидат
Группа: Участники
Сообщений: 1488
 Добавлено: 20-10-2007 14:55

Личность больше результата

В музее личных коллекций открылась выставка Владимира Баранова-Россине (1888–1944). Пять лет назад его уже показывала Третьяковка, но в этот раз около половины работ на Волхонке неизвестна широкой публике, а полихромные скульптуры и вовсе выставляются впервые.

На выставке показывают полотна Баранова-Россине из Русского музея, собраний Саратова и Вольска, но основу выставки составляют частные коллекции. Это типичная судьба художников не первого ряда: быть представленными понемногу всюду, но главных своих поклонников найти именно среди частных собирателей.

Меж тем Владимир Баранов-Россине поначалу явно претендовал на более заметное место в искусстве. Уроженец Таврической губернии, он участвовал в выставках петербургских и парижских авангардистов, жил в легендарном скопище дешевых мастерских на Монмартре «Улье» (соседи – Архипенко, Шагал, Сутин, Цадкин), был хорошо знаком с теми, кто определял художественную политику эпохи, и потому его искания всегда были актуальными. В итоге по его творчеству можно изучать основные течения начала ХХ века. Здесь и увлечение импрессионизмом, и орфизм Робера Делоне, и влияние Пикассо? Он улавливал едва нарождающийся стиль задолго до того, как современность успевала признать этот стиль своим.

Особую роль в его творчестве сыграла Норвегия (куда художник отправился на заработки во время Первой мировой войны). Созданные там полотна также показывают на Волхонке. В этих норвежских картинах чувствуется сдержанная северная нота, неожиданная в многоцветье его мира.

Баранова-Россине влекло к столь многому, что разносторонность в каком-то смысле его и сгубила. В итоге он стал персонажем из цикла «личность важнее результата». Фонтанируя самыми разными идеями, решительного успеха он не добивался в итоге нигде. Зато всюду чувствовал себя своим.

Всеохватность его поисков впечатляет даже в контексте 20-х годов. Так, одним из самых блестящих егопроектов оказалась попытка создания цветомузыкальной установки – о серии оптофонических цвето-зрительных концертов напоминает пара московских афиш послереволюционной поры (в 1925-м Баранов-Россине покидает СССР навсегда). Одна из афиш извещает, что программу из произведений Грига, Вагнера, Шуберта, Скрябина, Дебюсси, Рахманинова и Метнера исполняет оркестр Большого театра под управлением легендарного Вячеслава Сука, вступительное слово произносит Виктор Шкловский, а среди «художников» у «зрительного фортепиано» – и музыканты, в том числе будущая жена Баранова-Россине Полина Букур. Несмотря на обилие звезд на сцене, цены местам определили «уменьшенными».

Придуманный Барановым-Россине оптофон, порождавший на экране движение цветовых форм, воссоздан сейчас в парижском Музее современного искусства (во французской столице художник основал и Первую оптофоническую академию). Позже, в 30-е, Баранов-Россине занимался созданием аппарата по производству газированных напитков и «фотохронометром» для анализа качества драгоценных металлов. Но главным его вкладом в мировую культуру можно считать область, неожиданную даже для дизайна – камуфляжную раскраску, применяемую армиями всего мира и поныне.

Незадолго перед смертью Леонардо печалился, что слишком увлекался созданием инжинерно-технических и иригационных сооружений, вместо того чтобы заниматься искусством. Но о последних днях самого Баранова-Россине практически ничего не известно. Он погиб в Освенциме, куда был вывезен из французской столицы как еврей. Незадолго до депортации друзья предлагали ему бежать, но он отказывался в непонятной гордыне, в странной надежде на то, что искусство защитит его от смерти.
Но искусство, как выяснилось, если что и может, так это защищать уже после смерти.

Академик
Группа: Администраторы
Сообщений: 12558 		Добавлено: 20-10-2007 17:46
И.И.Шишкин
(1832-1898)
Замечательный русский художник-пейзажист, выдающийся мастер рисунка и графики.
Создатель более 600 живописных произведений.
Шишкин - художник народный. Всю жизнь он изучал русский, преимущественно северный лес, русское дерево, русскую чащу, русскую глушь. Это его царство, и тут он не имеет соперников, он единственный.
В. В. Стасов

В сокровищнице русского искусства Ивану Ивановичу Шишкину принадлежит одно из самых почетных мест. С его именем связана история отечественного пейзажа второй половины XIX столетия. Произведения выдающегося мастера, лучшие из которых стали классикой национальной живописи, обрели огромную популярность.

Среди мастеров старшего поколения И. И. Шишкин представлял своим искусством явление исключительное, какого не знали в области пейзажной живописи предыдущие эпохи. Подобно многим русским художникам, он от природы обладал огромным талантом самородка. Никто до Шишкина с такой ошеломляющей открытостью и с такой обезоруживающей сокровенностью не поведал зрителю о своей любви к родному краю, к неброской прелести северной природы.

Страницы: << Prev 1 2 3 4 5 6 7 Next>> ответить новая тема
Раздел: 
Театр и прочие виды искусства -продолжение / Курим трубку, пьём чай / О художниках,не против?

KXK.RU